26.9.09

Videoclipe amador


A partir de sites como o YouTube, o conceito de videoclipe sofreu importantes modificações. Além de oferecerem uma via alternativa e poderosa de divulgação, tais sites interferiram significativamente nas formas de produção, na estética e na própria audiência dessa linguagem audiovisual. Essa audiência, antes passiva frente a canais de televisão como MTV, efetivamente mudou sua atitude. Agora, através de programas de edição de vídeo dirigidos para amadores, como o Windows Movie Maker ou o iMovie do Mac, constrói novas narrativas para os textos musicais, por via de técnicas variadas. Os videoclipes que surgem são uma espécie de meio de elaboração, de expressão da visão êmica. E, assim, sugerem reconfigurações que não só mostram-se adequadas às demandas e comportamentos no ciberespaço como evidenciam o poder de interatividade e “samplertrofagia” que tal meio oferece.

Algumas pessoas encaram essas produções amadoras como uma espécie de lixo digital, possibilitado pelas facilidades tecnológicas e barateamento dos custos de armazenamento dos bytes na Internet. Muitos desses videoclipes podem ser considerados “spoofs“, ou seja, variantes paródicas de outros vídeos, dentro de um processo viral de disseminação de informação, em inúmeras vias da dita Web 2.0. Apontam para desconstruções dos parâmetros da “alta cultura”, bem de acordo com alguns preceitos das perspectivas pós-modernistas.

Falando particularmente da realidade brasileira, estes videoclipes são “sonorizados” por canções que, via de regra, tocam e fazem sucesso na televisão e no rádio, mas também podem ser de bandas emergentes e até música composta e gravada despretensiosamente, sem intenções profissionais. Porém existe utilização frequente, de um lado, de canções de artistas e bandas dirigidas ao público adolescente, e de outro, de canções associadas a gêneros musicais apreciados por camadas sociais mais populares, como o “forró eletrônico“. Neste último contexto é comum o uso de letras de duplo sentido, o que é peculiarmente apropriado pelos videomakers amadores, na reconstrução dos discursos originais. De uma forma geral, quando se trata de um spoof, sua interpretação tende à literalidade. Assim, por exemplo, a palavra “cruzeiro”, que no contexto do vídeo (ou áudio) original foi utilizada para referir-se a uma composição de estrelas em forma de cruz, pode ser representada pela figura de uma cédula do cruzeiro (antiga moeda brasileira) ou do escudo do time de futebol Cruzeiro (do Estado de Minas Gerais).

Criatividade, originalidade, repetição, fruição, popularidade, viralidade, ética e outros são conceitos que vão sendo reinventados nesses tempos onde as relações encontram-se hipermidiatizadas. Sites como o Youtube oferecem ambiente adequado para essas relações acontecerem, além de um manancial quase infinito de outras possibilidades. Não é à toa que William Gibson, o inventor do termo "ciberespaço", numa época onde estar online ainda era quase uma ficção científica, acha o Youtube “a coisa mais fascinante da Internet de hoje“. Os videoclipes amadores são uma boa demonstração de todo esse processo. Abaixo alguns exemplos de técnicas e procedimentos diferentes, utilizados na sua elaboração:

Imagem

1. Remix de videoclipe conhecido com imagens originais.

http://www.youtube.com/watch?v=ekvwqq9LmPU

2. Spoof cuja recomposição de elementos cria um produto audiovisual “original”.


3. Flagrante de cena cotidiana associado a canção com discurso compatível.



Ambientes de simulação

1. Performance ao vivo em metaversos.

http://www.youtube.com/watch?v=BFCpsxb6m8s

2. Contextualização feita com jogos de simulação.

http://www.youtube.com/watch?v=wPAlJy7-A_I


Fotos, desenhos, gifs, figuras…

1. Fotos sequenciais (stop-motion).


2. Desenhos feitos e coloridos à mão com lápis de cor, canetas hidrográficas, etc.

http://www.youtube.com/watch?v=OIz-g932vxA

3. Desenhos feitos “ao mouse” com programas como o Paint do Windows.

4. Gifes animados colhidos de fontes variadas.


5. Gifs animados e fotos com intenções descritivas, irônicas e literais.

http://www.youtube.com/watch?v=KTOCLlqPf4o


Outros

1. Animação feita com caracteres ascii em Excel.



16.9.09

Cuando la música queda en el aire: Air guitar competitivo


“Todo el mundo toca air guitar. Y si dicen que no, están mintiendo.”

Eso me dijo un air guitarrista hace un par de semanas, durante el concurso mundial de air guitar que tiene lugar cada año desde 1996 en Oulu, Finlandia. Quizás exageró, pero la tendencia de responder a la música con movimiento es casi universal, aunque la forma varíe de cultura en cultura.

En la cultura del rock, muchos fanáticos masculinos responden por medio de air guitar, o guitarra de aire, una forma de imitar lo que hace el guitarrista principal, especialmente durante un solo, sin tener un instrumento propio. Muchas veces comienzan a hacerlo desde muy niño, saltando y moviendo las manos como han visto en la MTV mientras escuchan sus grabaciones preferidas en la intimidad de sus habitaciones.

El hecho de que haya salido de la habitación para aparecer en un escenario global puede parecer ridículo a muchos y, en esencia, lo es. Los que se juntan cada año en Finlandia celebran este aspecto en sus presentaciones, en donde se ponen los disfraces más extravagantes, exhiben las expresiones faciales más exageradas e inventan nuevas maneras de hacer reír. Pero a la vez son sinceros, tanto en su apreciación de la música que utilizan como en la idea de que air guitar puede trascender su naturaleza y convertirse en una modalidad de arte interpretativo. De hecho, el grado en que la interpretación trasciende la imitación de tocar una guitarra de verdad para convertirse en una modalidad artística propia se llama “airness” (airedad) y es uno de los criterios según los cuales los concursos, en Finlandia y el mundo entero, son juzgados.

Aparte del componente artístico, air guitar interesa por sus aspectos sociales. En culturas como la de los blancos estadounidenses, donde es común oír los hombres decir “no bailo” debido a que consideran incapaces corporalmente, air guitar es una vía importante de entrenar la conexión entre música y movimiento y de desarrollar una corporalidad masculina. Digo “masculina” porque la participación femenina en este fenómeno aún es baja, cosa que refleja la escasa presencia de guitarristas principales femeninas en la música rock. En los últimos años se han visto una o dos mujeres cada año en Finlandia, pero dentro de un grupo de más de veinte concursantes son una minoría. Este año “Zero Prospects”, la esposa de “Bjorn Turoque,” estrella de air guitar estadounidense, compitió porque, después de haber visto concursos en 25 ciudades estadounidenses, estaba cansada de no ver mujeres participar o de que las que sí participaban lo hicieran sin arte ni técnica, contando solamente con sus atributos corporales para triunfar. Como forma de comentario en aquella situación, durante su interpretación de la canción “Runaway” de Bon Jovi en Oulu este año, Zero Prospects llevó puesto un suspensorio.

Otra excepción a la dominación masculina de air guitar se pudo ver en Berlín, donde el concurso nacional alemán vio la participación de cinco mujeres entre 17 concursantes. La razón fue que en la Universidad de Hildesheim, el profesor de comunicaciones Mathias Mertens ofreció un curso sobre air guitar donde los estudiantes tuvieron que inventar sus propios movimientos.

Como parte del fanatismo rockero, la observación del air guitar es una buena manera de acercarse a las normas de género, sus ideas sobre el humor, y la corporalidad de este estilo musical.

Para ver más:

Gunther Love (Sylvain Quimene) de Francia, ganador del concurso mundial de este año, durante el round obligatorio, en el que los organizadores escogen la canción. Este año fue “Animal” del grupo finlandés Sweatmaster.
http://www.youtube.com/watch?v=WQ8E-AVgcUw

Bjorn Turoque interpreta “Set Me Free” de Sweet.
http://www.youtube.com/watch?v=7DwTDJdMso0

Una de las interpretaciones más famosas en la historia del air guitar debido a su uso en el documental Air Guitar Nation. C Diddy, de los Estados Unidos, “toca” el tema con el que ganó el mundial en 2003.
http://www.youtube.com/watch?v=aoAnMxlMh0I

Zero Prospects interpreta “Runaway” durante el “Dark Horse Round”, fase para los que no son campeones mundiales. Ganó este round, pero no el campeonato.
http://www.youtube.com/watch?v=zIfsvw6be9s

Sydney Hutchinson

2.9.09

Hacia la redefinición de la música andina


El vocablo “andino”[1] es polisémico y controvertido, no corresponde exclusivamente a la zona geográfica atravesada por los andes. Juan Carlos Estensoro, en sus libros: Del Paganismo a la Santidad; La Incorporación de los Indios del Perú al Catolicismo (1532 – 1750), cuestiona y considera a lo ‘andino’ como “una invención de las ciencias sociales. Y que pudo ser un divertido ejercicio intelectual si no nos hubiera llevado a la incomprensión de buena parte de nuestro presente y de nuestros problemas. Para demostrarlo, es necesario revisar las estrategias y métodos de la evangelización durante el proceso de formación de la sociedad colonial”[2]. La “Cultura Andina”, no es única, ni uniforme; en principio, un estudio de la música andina, abarcaría los territorios atravesados por la Cordillera de los Andes, los territorios del antiguo incario, el Tahuantinsuyo, Sur de Colombia, Noroeste de Argentina, la parte Norte de Chile, etc. La región andina de Ecuador, según el enfoque tradicional incluye únicamente a los grupos mestizos y quichua hablantes de la sierra; a las provincias de: Carchi, Imbabura, Pichincha, Cotopaxi, Tungurahua, Chimborazo, Bolívar, Cañar, Azuay y Loja. Generalmente se dice que la música andina es aquella música producida e interpretada en la región de los andes. Este criterio se ha modificado, por lo que conviene clarificar el término “andino”. En lo territorial, lo andino, es un amplio espacio multinacional que incluye, además de los andes, la costa occidental y la amazonía de Sudamérica, a sociedades multiétnicas y pluriculturales, donde se conjugan y complementan, la unidad y la diversidad. Lo andino, es un proyecto de identidad e integración, es un proceso cultural dinámico. La música andina generalmente es entendida como la música de estos pueblos, de estas culturas, producidas a través del tiempo, por indios, criollos – mestizos, negros, por una sociedad históricamente jerarquizada. La realidad latinoamericana, el Movimiento de la Nueva Canción, el mundo global, nos han obligado a replantear el concepto de “música andina”.

El “sanjuanito”, considerado a nivel internacional como uno de los géneros musicales [andinos] más representativos del Ecuador, en los años setenta del siglo XX, con el Grupo Inti Illimani de Chile[3], alcanzó una proyección inesperada. Esa agrupación popularizó a nivel mundial los sanjuanitos ecuatorianos: “Lamento del Indio” [Los Arados], del compositor César Humberto Baquero; “Amores Hallarás”, texto de Marco Vinicio Bedoya y música de Víctor Manuel Salgado; San Juanito [Mi Chagrita Caprichosa] de Benjamín Aguilera; “Longuita” [Llullaringui], música de Guillermo Garzón Ubidia; y otros repertorios, como los albazos: “Taita Salasaca” [El Salasaca], texto de Alfredo Bastidas, música de Benjamín Aguilera; “Dolencias”, de Víctor Valencia Nieto, etc. Este mismo grupo, a inicios de los años ochenta, popularizó el sanjuanito “Bailando, Bailando”[4], del compositor Horacio Salinas Alvarez[5]. Para fines de los años setenta, E. Pérez y J. Vargas, músicos integrantes del Grupo Wankara de Chile, radicados en Guayaquil, compusieron el sanjuanito “Yamor”, tema regrabado por el saxofonista Olmedo Torres, el acordeonista Paco Godoy, etc. A mediados de los años noventa, en el disco compacto titulado “Zig Zag”, interpretado por el Grupo Trencito de los Andes del “Il Laboratorio delle uova quadre” de Roma, Italia, apareció el sanjuanito: “Latitud Cero”, tema que logró un éxito inusitado, casi de inmediato lo regrabaron otros grupos ecuatorianos, surgieron varias versiones instrumentales, otras versiones con diferentes textos[6], y lo más interesante, el pueblo ecuatoriano lo asumió como un tema suyo, “muy andino”, ecuatoriano. Una vez más, surge el interrogante: ¿Qué es la música andina?. Raffaele María Clemente del Grupo Trencito de Los Andes, propone la siguiente definición: “Música andina es un idioma musical dotado de sintaxis propia e inequivocable como el castellano que puede hablarse tanto en España, como en Ecuador, o en Nueva York, siendo siempre la misma lengua. (…) todo tipo de música se basa en sus propias escalas, así mismo, la música andina está profundamente arraigada en la suya, siendo la pentafónica andina la más utilizada, como sugiere el mismo nombre, penta significa cinco en griego. Dicha escala está compuesta por 5 tonos o sonidos (…) Tan solo con esos 5 sonidos se fabrica la mayoría de la música andina” [7].

La música andina, [quizá es más correcto hablar de las músicas andinas], es un concepto variable, polisémico, tiene un ethos, una semántica, marca o personalidad, estructuras, sistemas, tópicos, figuras retóricas, ocurrencias, cualidades (qualia), estilos afines, congruentes, que han superado las barreras geográficas y nacionales. La música andina, es fruto de una compleja red de interacciones sígnicas que se tejen en torno a una obra musical, es una música vigente y en constante innovación. Logramos acercarnos a las estructuras de esta música, a través de la mediación cultural. Para comprender el significado de la música andina, es necesario profundizar la semiótica cognitiva.


Revisar estos videos:

Latitud Cero (Trencito de Los Andes de Italia):
http://www.youtube.com/watch?v=z9td2mkY3dk&feature=related


El Chuchaqui* (La Bomba Chuchaqui)
http://www.youtube.com/watch?v=_cCbOkpLYRQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=kfbYs01mNMg

http://www.youtube.com/watch?v=mD0H_Zd89eM&feature=related


Bailando Bailando, de Horacio Salinas - chileno:
Con Inti Ilimani

http://www.youtube.com/watch?v=EiVNCMulyWk

Página del Municipio de Otavalo, Ecuador:

http://www.otavalo.gov.ec/anima.html


Yamor: de Pérezs y Vargas (Chilenos integrantes de Wankara)

http://www.youtube.com/watch?v=5ChOEaIMRDA&feature=related


Por Mario Godoy Aguirre (Ecuador)


[1] Para ampliar sobre “lo andino”, revisar la “Historia de América Andina”, Vo. 1, Universidad Andina Simón Bolívar, Quito, 1999, p. 11–17.
[2] La Selección Inútil: “La Invención de lo Andino”, entrevista a Juan Carlos Estensoro, 28 de julio del 2006.
[3] Max Berrú, músico nacido en Loja, Ecuador, integró esta agrupación, desde su fundación (1967), hasta 1997. Los integrantes de Inti Illimani, cuando se dió el golpe militar que derrocó a Salvador Allende (septiembre de 1973), se encontraban en una gira por Europa, luego decidieron fijar su residencia en Roma, Italia. Durante los 15 años de exilio político, se acrecentó su fama internacional.
[4] Este sanjuanito puede ser escuchado en el sitio WEB del Municipio de Otavalo, provincia de Imbabura, sección: “Animación” (2009): http://www.otavalo.gov.ec/directorioe.html
[5] Horacio Salina Alvarez, nació en Lautaro, Chile, el 8 de julio de 1952, compositor, guitarrista, director musical del Grupo Inti Illimani, fundado en agosto de 1967.
[6] En el Ecuador y en el Perú, del tema musical “Latitud Cero”, en pocos años han proliferado varias versiones cantadas e instrumentales. En Quito, surgió una primera versión, con el nombre: “Ecuatoriano Soy” texto de Antonio Godoy, y circuló inicialmente en un disco compacto auspiciado por el Comité de Fiestas de Quito, diciembre de 1999; luego, Gerardo Morán grabó otra versión con el título: “En Dónde Estás Amor”, texto de Cuba Rosero; en el el 2007, el Grupo de Bomba “Valle del Chota”, grabó una versión instrumental, con el título “El Chuchaqui” (La Bomba Chuchaqui), también hay una versión con un texto de Humberto Maldonado. El Municipio de Otavalo, provincia de Imbabura, siendo Alcalde Mario Conejo Maldonado (2000- 2009), y Galo Santillán Paredes Director de Participación y Desarrollo, propiciaron la grabación del disco compacto “No Hay Como Otavalo”, en el que la Banda Académica del Municipio de Otavalo, bajo la dirección del maestro Cristian Morales, interpreta el tema “Latitud Cero” conjuntamente con una selección de obras del Grupo Trencito de Los Andes de Italia. En el Perú, al estilo “tecno cumbia”, el tema “Latitud Cero”, es conocido con el nombre de “El Chuchaqui” (El Baile del Chuchaqui), entre otras, hay una versión grabada para Producciones Juanchu, por Los Caribeños de Guadalupe.
[7] “¿Cómo definir a un sanjuanito compuesto por unos [chilenos o] italianos, en la ciudad de Roma?. También sería música andina?, y de serlo?, en base a que criterio?, puesto que este sanjuanito no nace en la sierra, en el Altiplano del Ande. (…) Y si este mismo sanjuanito llegara en forma de disco desde Italia a los Andes, y que la gente andina empezara a identificarse con él, al punto de convertirlo en uno de sus himnos más representativos?. Todo esto ya ha ocurrido, entonces, ¿Qué significa exactamente música andina?, (…) Hoy quiero proponerles una nueva definición: ‘Música andina es un idioma musical dotado de sintaxis propia e inequivocable como el castellano que puede hablarse tanto en España, como en Ecuador, o en Nueva York, siendo siempre la misma lengua. Y aquí el asunto se complica, por ende, iremos al grano, como quien dice, invitándoles a entrar directamente a las entrañas de esta música andina, por la puerta principal, es decir la escala pentafónica andina. Para aquellos que no mastican la teoría musical, diremos simplemente ‘todo tipo de música se basa en sus propias escalas, así mismo, la música andina está profundamente arraigada en la suya, siendo la pentafónica andina la más utilizada, como sugiere el mismo nombre: penta significa cinco en griego. Dicha escala está compuesta por 5 tonos o sonidos (…) Tan solo con esos 5 sonidos se fabrica la mayoría de la música andina.” Palabras de Raffaele María Clemente del Grupo Trencito de Los Andes, “Il Laboratorio delle uova quadre” de Italia, presentación en el Teatro Nacional Sucre deQuito, el 5 de febrero del 2009.
*El Chuchaqui = La resaca

19.6.09

Shred en la red


Bajo el término “shred” se conoce la interpretación guitarrística que enfatiza la complejidad técnica y el virtuosismo. Este es un fenómeno que empieza a surgir en la década de 1980, sobretodo en los estilos del rock, el heavy metal i el jazz fusión, y que representan figuras como Joe Satriani, Steve Vai o Eddie Van Halen. (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Shred, consulta: 19/06/09).

En el último año y medio han proliferado en la red gran cantidad de vídeos que, bajo el término “shred”, proponen una actuación directa sobre imágenes de estsos “guitar heroes”. La idea es esta: ejecutar sobre los mismos movimientos que realizan los guitarristas un nuevo solo que suene “mal”. Algunos ejemplos:

Paco de Lucía
http://www.youtube.com/watch?v=89zM9pZzt0U&feature=related

Eric Clapton
http://www.youtube.com/watch?v=x_M9zWORBuA&feature=related

Steve Vai
http://www.youtube.com/watch?v=aiXR9ggRdFI&feature=fvw

Slash
http://www.youtube.com/watch?v=NHyl04-ytH8&feature=related

Joe Satriani
http://www.youtube.com/watch?v=8Vml7SwxXTI&feature=related

Angus Yong
http://www.youtube.com/watch?v=4HA3Ot00bWw&feature=related

Eddie Van Halen
http://www.youtube.com/watch?v=pdFJTbaFcZ0&feature=related


El resultado de este proceso es la transformación total, en algunos casos hasta el ridículo, de la figura del “guitar hero” (véase al pobre slash pavoneándose al ritmo de los sonidos más siniestros y sin sentido). Este resultado, que no es objetivo, sinó que viene impuesto por la rotura de las expectativas creadas, nos plantea diversidad de cuestiones. La primera de ellas musical. ¿Qué elementos musicales definen el estilo del “shred”? Está claro que no suena bien (¿o no?), pero ¿cómo se llega a eso? ¿Qué elementos nos conducen a esta nueva estética? ¿Estamos ante el nacimiento de una nueva estética musical basada en un “antidiscurso de” más que en un “discurso”?

Otro elemento interesante es el de la corporalidad asociada al sonido. Uno de los elementos fundamentales del “shred” es la fidelidad corporal. Lo que se busca es una reproducción sonora perfecta de los movimientos del guitarrista, aunque cambiando el sentido del discurso hacia esta nueva estética “feísta”. Sin una perfecta sincronización entre movimiento y sonido el shred no funciona, pero vemos que un mismo movimiento se puede asociar con sonidos diametralmente opuestos.

El elemento corporal es muy interesante en este proceso, ya que la figura del “guitar hero”, con toda su carga corporal de ser mítico e inalcanzable, queda en entredicho por el simple hecho de modificar el resultado sonoro de su actuación, aunque en algunos casos sin restarle virtuosismo. Esto nos lleva a constatar como el elemento sonoro dentro de un lenguaje concreto tiene una importancioa fundamental en la construcción de esta figura. ¿Qué elementos sonoros son los que dan esta carga simbólica a los virtuosos de la guitarra? ¿Qué elementos sonoros se los quitan? Creo sin duda que éste puede ser un interesante ejercicio de análisis musical.

A los “shred” guitarrísticos se les han sumado también “shred” de bandas enteras, como se puede ver en los siguientes vídeos:

Metallica
http://www.youtube.com/watch?v=Bs_b5E5CwuU&feature=related

ACDC
http://www.youtube.com/watch?v=ZUfyzEhT_LQ&feature=related

Iron Maiden
http://www.youtube.com/watch?v=gTCP0jk3cX4&feature=related

En estos ejemplos se lleva la técnica más allá, incorporando a la parodia todos los instrumentos de una banda de rock. ¿Cuál será el siguiente paso?

Miquel Gené Gonzàlez

30.5.09

Una protesta posmoderna


El revival nos invade. Quizás por la disgregación del tiempo lineal, pero la cuestión es que está a la orden del día. Hemos visto como la canción popular una y otra vez cambia de significado o, como decía Héctor Fouce en la entrada sobre Obama y la utilización de la música popular, “la música popular funciona como un medio de comunicación de masas, movilizando mensajes políticos, a veces de forma explícita”.

El caso que presento es el “Rickrolling”, un movimiento de protesta contra la cienciología que utiliza el popular tema del cantante Rick Astley "Never gonna let you down!" El Rickrolling se convirtió en un “internet meme” que ocultaba otra cosa.
El Rickrolling se puso de moda convirtiéndose en uno de los videos más vistos en los últimos dos años con 20 millones de entradas. Incluso hay una entrada en la wikipedia que lo especifica mejor que yo:

http://en.wikipedia.org/wiki/Rickroll#Scientology_protests

Y un artículo del periódico The Guradian al que se refieren en la wikipedia:

http://www.guardian.co.uk/music/2008/mar/19/news

Si observamos el video de la protesta, vemos como van todos con caretas, la mayoría de ellas pertenecientes al personaje de “V de Vendetta”. Desconozco el motivo. Lo que he oído es que al comienzo todos se disfrazaban de xenu (el “Dios” de la cienciología), si queréis saber más de él:

http://www.xenu.net/archive/leaflet/xenusp.htm

Y aquí unos videos de las protestas, todo con un carácter bastante satírico, a los amigos de Xenu como el popular Tom Cruise o John Travolta entre otros:

http://www.youtube.com/watch?v=l3vek-CVNFg

http://www.youtube.com/watch?v=ZBDzzL3Kzpk

http://www.youtube.com/watch?v=OHpjcZNM8_k&feature=related

El efecto colateral es que el Rick Astley volvió a dar conciertos, aquí está su video:

http://www.youtube.com/watch?v=oHg5SJYRHA0&feature=fvst

El baile está a la altura del mejor Franco Battiato

Ibán Martínez Cárceles

10.2.09

Híbridos digitales


Microsoft's Songsmith has become a cult phenomenon, but probably not how the software giant wanted it to be.

If you’ve never heard of it, Songsmith is a program that can give an automatic musical accompaniment to any vocal track you give the computer. The basic aim is give the karaoke singer the chance to live out their dreams and become an all-round musician. It launched in America with an astonishing promotional video (see below).

But as a Microsoft spokesman said recently, Songsmith is being "used in ways we haven't quite imagined." People have been taking the vocals from hit songs and then adding Songsmith backing tracks to them. The results are funny, bizarre and sometimes disturbing.

3.2.09

Marcianitos con Chopin


Las bandas sonoras de los videojuegos han entrado, en los últimos años, en el terreno de lo artístico. Así, del mismo modo que podemos empuñar arcos y espadas al son de la música de Chopin o Bartók, los recursos destinados a la nueva creación de bandas sonoras para videojuegos aumenta, y con ellos el estatus de los compositores musicales dedicados a ello.

http://www.elpais.com/articulo/Tendencias/Marcianitos/Chopin/elpepucul/20090201elpepitdc_1/Tes